시공간에 대한 고려 Consideration of space and time

작가약력

개인전

존재성의 탐구

미술작품의 미적 완성은 어떻게 이루어질 수 있는 것일까? 이는 미술을 추구하는 사람이라면 누구나 품고 있는 공통된 화두일 것이다. 미술가들은 이러한 화두에 대하여 각기 자기 나름대로의 방법을 통해 끊임없는 탐구를 하고 있다. 사실 오늘날의 미술에는 거의 무한한 가능성이 열려 있다고 해도 과언이 아니다. 미술은 무한한 종류의 재료를 사용할 수 있고, 표현 방법이 있으며, 특정의 완성된 상태를 의도하지 아니하고 창작의 이념이나 과정을 중시하는 개념 미술에 이르기까지 다양한 선택지가 있다. 하지만 무엇보다 중요한 관점은 무한한 표현 방법에 내재되어 있는 작가 나름의 철학적인 배경, 정체성, 작가로서의 삶의 진정성을 어떻게 추구하고 있는가라는 점일 것이다.

장인선은 본인의 작업에 대하여 다음과 같이 표현하고 있다.
양자론은 나의 삶과 나의 작업에 있어서 철학적인 배경으로 작용한다. 양자의 기본개념은 첫째, 절대적인 시간과 공간은 없다. 시간과 공간은 단지 현실적인(감각적)인 세계에서 만 존재하는 개념일 뿐이다. 둘째, 관찰자는 현실이라는 감각세계에서 벗어난 사람이다. 셋째, 작은 세계로 깊이 들어갈수록 과학과 철학은 추상이 된다. (눈에 보이지 않는 아주 작은 것과 정신적인 부분을 증명하는 것이 양자론이다). 양자론에서 말하는 신비의 세계와 장자가 말하는 도의 세계가 같다. (작가 노트에서)

작가가 말하고 있는 의도를 장자의‘호접몽(蝴蝶夢)’에서 찾을 수 있을 것 같다. 장주는 나비가 된 꿈을 꾼 후, 자신이 꿈에 나비로 된 것이지 나비가 꿈에 장주가 된 것인지를 알 수 없었다. 이러한 사고는 서양의 전통적 인간관에서는 찾아보기 어렵다. 서양의 전통적 인간관은 인간 중심적인 것이었다. 이는 인간만이 내재적 가치를 지니고 있고 그 밖의 모든 존재들은 오로지 내재적 가치를 지닌 인간을 위한 도구적 가치만을 가지고 있다는 견해로 이어진다.

그러나 동양적 세계관에서는 존재의 단일성, 전일성(全一性)을 믿는다. 또한 한 순간의 모습으로 존재를 파악하지 않는다. 불교에서는, 삼라만상이 생겼다가 사라지며 유전(流轉)하고 변화하는 것이 우주와 생명의 근원적인 모습이라고 하였고, 중국의 역사상(易思想)에서도 모든 실재를 유동(流動)하고 변화하는 과정으로 보았다. 따라서 모든 존재는 일시적인 모습으로만 파악될 수 없고, 우주의 생성과 소멸 과정 속에서만 존재의 의미를 찾을 수 있다.

이와 같은 관점에서 장자와 나비는 분명히 별개의 것이지만 만물의 무한한 변화 속에서는 동일한 양상에 불과하다. 나비가 되어 즐기고  나비는 장주가 되어 즐기듯이 나타났다 지워지고 지워졌다 다시 새로운 것으로 생성되는 것이다. 인간 존재도 일회적으로 나타난 현상만으로 파악될 수 없다. 우주 만물의 생성, 소멸 등의 변화 속에서 존재의 본질을 알 수 있는 것이다.

마르틴 하이데거는 그의 저서『존재와 시간』에서 존재와 관련하여‘각자 자기의 존재를 존재해야한다’,‘인간에게는 존재함에 있어 그 존재함이 문제가 되는 존재’라는 매우 모호한 표현을 사용했다. 그 이면에는 인간은 존재가 확정된 것이 아니라 가능 존재이고, 각자 자기의 존재(각자성)이며, 시간적인 존재라는 내용이 담겨있는 것으로 여겨진다.

장인선의 일련의 작품들 속에는 과연 현대 사회에서‘나’를 규정할 수 있는 범주가 무엇인가에 대한 끊임없는 질문으로 점철되어 있다. 일상적 자아가 그 걸음을 잠시 멈추고 본질적 자아를 대상화하여 관찰하고 객관적으로 묘사하여 인간 존재에 대한 끊임없는 내면적 성찰을 도모하고 있는 듯하다. 특히 파리 유학을 계기로 작가의 이러한 생각이 확고해진 것 같다. 나는 그것을 단적으로‘존재성의 탐구’라고 표현하고자 한다.

파리에서의 나는 완벽하게 다른 시공간에서 흘러 들어온 새로운 존재였다. 나를 표현하는 매개체가 작품 이외에는 아무 것도 없는 세계였다. 그리고, 작품을 통해서만 나를 인식할 수 있는 다른 존재들에게 둘러싸여 있었다. 그 곳에서, 내 언어는 과거의 표정을 지우고 다시 태어났다. 좀 더 명확한 대화를 할 수 있는 언어의 선택을 위해, 그리고 내 존재를 증명하기 위해 나는 수없이 내 작품들과 다투었다. 그렇게 태어난 설치 작업들 중에는 현재 진행하고 있는 디지털 작업의 모태가 되는 것도 있다. 엉뚱하게도 나는 설치작업의 와중에서 그 작품들을 다른 방식으로 표현할 방법을 모색해 냈던 것이다. (작가 노트에서)

상황적 위치나 존재가 인간의 의식 그 자체를 완전히 지배하지는 않는다 하여도 상당 부분 영향을 받는다. 작가는 그와 인연을 맺었던 상황과 사람들을 기억하고, 작품을 통하여 되돌아보면서 자신의 존재를 증명하는 것을 넘어 인간이 타인을 위해 존재하는 이유에 대해서, 인간의 존엄성에 대해서 진지하게 사유(思惟)하고 있다. 그런 까닭에 작가의 작품 속에는 어두운 파란색 색조를 사용하지만 결코 어둡지 않고, 단조로워 보이지만 따뜻함과 함께 깊은 맛이 배어 있어 보는 이로 하여금 몰입되는 느낌을 주고 있다.

내 작업의 base는 파란색(ultramarin+cobalte blue)인데, 그동안 이 파란색은 희망과 ideal에 대한 기대감과, 반면에 우울함과 깊이를 알 수 없는 바다같이 막막한 절망이 공존하는 색이었다. 지금까지의 파란색이 상징적인 한계에 머물러 평면적인 표현이었다면 이제는 입체적인 파란색을 표현해 보고 싶다. 그래서 빛과 시선을 더하여 표현방법과 재료적으로 다른 방법의 작업을 통해 파란색에 다른 개념과 의미부여를 하고자 한다. (작가 노트에서)

어쩌면 고정불변 하는 본질은 없고, 변화하는 현상만이 이 세상에 있을지도 모른다. 전체적인 균형을 보지 못하고 어느 한 부분에 집착하게 되면 생명의 흐름으로 인해 자연이 얼마나 아름다움과 신선함을 유지해 나가는가를 알지 못한다. 만일 우리가 우리 생명력의 흐름을 짧은 우리 인생에 묶어 두려고 한다면 항상 근심과 고통을 겪을 수밖에 없다. 왜냐하면 자연은 우리가 머무르려고 한다고 해서 결코 흐름을 멈추어 주는 일이 없기 때문이다. 마치 팽창하고 수축하는 영원한 과정 중에 있는 현상의 모습이 이 우주의 본질이며, 결국 현상의 총화가 본질이듯이 그녀에겐 이러한 현상과 본질간의 조화가, 그 속의 존재성의 문제가 화두로 되어 있는 듯하다. 작가의 작품이 어떤 형상(形象)에서 다른 물상(物象)으로 변화되는 물화(物化)를 계속하여 고민하고 있는 것을 보면, 어떤 논리성 아래 작품을 전개해가고 있는 듯해 보이나 결국은 특정 논리에 정착하고 있지는 않은 것으로 보인다.

한미애 (미술학 박사/ 한성대교수)

JANG in sun

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